Старая национальная галерея в берлине, Храм немецкого искусства - Старая национальная галерея
![Старая национальная галерея в берлине](https://evraziafm.ru/wp-content/themes/mh-magazine-lite/images/sakud.jpg)
Порцию тепла и эстетического наслаждения мы получили. Она известна с XIX века, там работало большое количество живописцев. Туда тянулись образованные люди, поэты и художники, мечтающие заново открыть для себя колыбель европейской цивилизации. Очевидно, что в этой работе Менцеля интересовали не только технологические особенности труда, но и чисто творческая возможность попробовать создать световые и пространственные эффекты в совершенно новых для художественной практики условиях.
Неравнодушным к живописи стоит обязательно включить этот крупный музей в программу своей экскурсии по Берлину. Галерея была основана в г.
Изначально собрание размещалось в зданиях Академии искусств. Современное здание галереи построено в виде римского храма. Муйне г. Хой Ан о. Бали о. Ява о. Ломбок Джакарта о.
![Старая национальная галерея в берлине](https://planetofhotels.com/guide/sites/default/files/styles/paragraph__hero_banner__hb_image__1880bp/public/hero_banner/alte-nationalgalerie.jpg)
Баттамбанг г. Кампот г. Борнео о. Лангкави о. Пхукет Паттайя о. Самуи пр-я Краби о. Ко Сичанг о. Крит о. Родос о. Корфу о. Санторини о.
Кос Афины Салоники Халкидики о. Амульяни о. Закинф о. Кефалония Все города. Гран-Канария о. Ибица о. Майорка о. Тенерифе Все города. Мадейра рег. Алгарве Азорские острова Фару. Прованс рег. Бургундия рег.
После х Менцель стал частым гостем светских вечеров в берлинском городском замке. Сохранилось множество этюдов и зарисовок этих балов. Представленное полотно — одно из самых сложных по количеству персонажей и композиции. Общество показано в перерыве между танцами. Интерьер дворца буквально утопает в пламени свечей и золоте дорогой мебели. Художник виртуозно изобразил большое количество сценок, это одновременно и толпа людей, и отдельные группы, члены которых тщательно запечатлены в разнообразных позах.
Полотно можно очень долго рассматривать, хотя оно совсем небольшого размера. В нем нет строгой точки перспективы, взгляд зрителя скользит по лицам, охватывая всю картину в целом. Живописец бегло наметил детали, главное в произведении — это настроение вечера, атмосфера типичного светского приема того времени. Спецификой Менцеля-рассказчика является то, что ему удается одновременно четко зафиксировать место действия и группы людей, создается впечатление, что все детали и черты лиц выписаны очень подробно, однако при попытке сфокусироваться на какой-либо из сцен взгляд зрителя вынужденно скользит то по одной, то по другой детали.
Художник остается беспристрастным наблюдателем, он не уточняет собственного отношения к происходящему. Интересно, что пространство в работе композиционно усложнено обилием зеркал, которые увеличивают зал, множат отражения, рождают интересные световые и пространственные эффекты. Ясная композиция картины, четкие соотношения и пропорции ее разных элементов ярко свидетельствуют о высочайшем мастерстве немецкого живописца.
Камиль Коро — один из главных представителей французской барбизонской школы, художественного течения середины XIX века. Оно отличалось ярко выраженным стремлением к реализму в рамках романического направления. Школа названа так по местечку Барбизон, в котором работали мастера. Они опирались на традиции голландской живописи и отечественную французскую школу прошлого, к которой принадлежали Никола Пуссен и Клод Лоррен.
Виртуозную технику, разнообразную и сложную, мастера-барбизонцы соединяли с лиричным настроением, повышенным вниманием к передаче атмосферы. Авторскую манеру Коро характеризуют мягкие тона и сглаженные формы, свободная работа кистью.
Он известен, прежде всего, своими пейзажами. Поражают нежные, тонкие мазки жемчужных, перламутровых оттенков.
Мастер использует в полотне классическое для собственного творчества сочетание зеленых, черных, белых и красных цветов. По сравнению с реалистической трактовкой света в первый период своей деятельности после х Коро предпочитает почти сказочный свет вечерних сумерек. Воздух и вода отражают его, нежный переход в гамме от серо-серебряного до зеленого.
Как говорил сам мастер, главное для него была не точность передачи деталей, а точность, на которую бы отозвалось его сердце. Авторский стиль Коро многосоставен.
Он создает пасторальный сюжет — крестьянки занимаются повседневным трудом в живописных декорациях. Художник использует палитру неоклассицизма и реализма, а манера накладывать краски уже прямо отсылает зрителя к предимпрессионизму. Французский художник Шарль-Франсуа Добиньи является ярким представителем барбизонской школы живописи. Исследователи видят в нем одного из важных предшественников классического импрессионизма.
Непосредственное влияние на его манеру оказало искусство великого Густава Курбе, с которым он познакомился в Сам Добиньи повлиял на творческие установки Клода Моне, с ним он встретился в Как представитель барбизонской школы, Добиньи стремился объединить сложную технику живописи, внимательное отношение к проблемам натурного освещения и созданию сюжетов, в которых герои погружены в природу в лучших традициях романтизма.
Представленная картина прекрасно отражает это направление в творчестве мастера. Добиньи, как и знаменитый Моне несколькими годами позже, работал в небольшой лодке-мастерской, в которой плавал по рекам Оаз и Сене в поисках подходящих мотивов.
Его целью было уйти от субъективности взгляда художника и рисовать природу так, как она есть. Добиньи использует ограниченную гамму цветов. Картина фактически состоит из двух равных по площади горизонтальных слоев — оттенков зеленого и серого-синего.
Главную прелесть создает сочетание тщательной отделки холста, ее геометрической симметрии и стремления передать восприятие наблюдателя с помощью легких предимпрессионистических мазков.
В изображении героев явственно ощущаются романтические нотки — молодая пара удаляется от зрителя вглубь сцены. Художнику удалось добиться двойственного ощущения особой интимности и нейтральной будничности запечатленного пейзажа. Немецкий художник Ансельм Фейербах написал эту картину во время своего путешествия в Рим. Он создал идиллический и аллегорический сюжет, запечатлел двух детей, которые беззаботно проводят время в Тиволи, недалеко от итальянской столицы.
Эти места особенно вдохновляли художников-неоклассицистов всей Европы, потому что именно Рим и Италия считались великими центрами творчества прошедших времен. Творцы стремились образом жизни и манерой живописи подражать таким итальянским мастерам, как Рафаэль, Караваджо и Аннибале Карраччи. Дети олицетворяют муз пения и музыки. Водопад на заднем плане написан достоверно, он почти не изменился вплоть до нашего времени.
Художник работал над данным полотном почти год, в наследии мастера осталось большое количество тщательных зарисовок этого места. Французский живописец Клод Моне — один из самых знаменитых художников в мировой истории искусства. Он признан основателем импрессионизма. До того как стать классиком этого направления, Моне учился не только в парижской Академии, но и у старых мастеров, штудируя их работы в богатейшей коллекции Лувра. Во время Франко-прусской войны живописец переехал в Англию, где его наставником был Джон Констебль.
Перед возвращением на родину Моне несколько месяцев провел в Нидерландах, там ближе познакомился с поэтикой живописи старых мастеров. С этого времени он создавал в основном этюды, зарисовки из повседневной жизни. В молодой Моне впервые выставил свои работы в парижском Салоне — официальной выставке искусств.
![Старая национальная галерея в берлине](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fe/Interior_view_of_the_Alte_Nationalgalerie.jpg/220px-Interior_view_of_the_Alte_Nationalgalerie.jpg)
Но уже в его жюри отказало художнику в участии. С тех пор Моне и его друзья отошли от официального искусства и непосредственно занялись выработкой новых методов в искусстве, что вылилось в стиль импрессионизм.
Основным принципом стало видение окружающей среды «так как есть». Отсюда повышенное внимание к световым эффектам, выбору случайных фрагментов, интерес не столько к сюжету, сколько к особенностям восприятия того или иного предмета. В апреле Моне и Ренуар попросили у руководства Лувра разрешить им поставить свои мольберты в здании музея, чтобы иметь возможность зарисовывать городские виды, которые полюбились живописцам во время самостоятельных учебных занятий.
Моне создал три городских пейзажа из стен Лувра. Данная картина представляет вид на соседнюю церковь Сен-Жермен, построенную в готическом стиле. Архитектурный объект очень велик, но он не давит, художник мастерски строит городское пространство.
В этом раннем полотне Моне прекрасно видно влияние и школы Добиньи, и всей барбизонской школы пейзажной живописи, которая сформировалась на идеях работы на пленэре. Художник изображает яркий солнечный полдень. Все цвета выбелены под открытым солнцем.
Мастер вводит множество синих пятен, чтобы усилить ощущение палящего зноя. Моне создает глубокие, почти черные тени. Цветущие каштаны, манера их написания, а также фактурность всего холста свидетельствуют о готовности живописца сформулировать принципы импрессионизма.
В апреле Клод Моне и группа его коллег впервые выставили свои работы в независимом от официального Салона помещении. Полотна новаторов приютил в своей мастерской на бульваре Капуцинок фотограф Надар. Первоначально импрессионистами живописцев назвали критики, которые хотели таким образом посмеяться над поверхностным стилем бунтарей. Однако те с радостью приняли прозвище, потому что впечатление именно от этого слова происходит название составляло основу их произведений.
Впечатления от солнечных бликов, цветных пятен, мимолетных движений и случайно выхваченных фрагментов жизни — вот художественное кредо импрессионистов. Картина была представлена в той же студии Надара в и отмечена в обзоре выставок Эмилем Золя.
На ней изображены жена и сын Моне, отдыхающие в поле. Камилла читает, юный Жан прогуливается поодаль, повернувшись спиной к зрителю, не замечая того, что отец рисует его. Художника не интересуют их лица, эмоции, он передает свои собственные чувства от летнего дня и мирного отдыха. Деревья, солнечный свет, ветер, травы и горы вдалеке — такие же полноправные герои полотна, как и семья живописца. Композиционно работа очень проста. Моне делит полотно по горизонтали, тонкие стволы деревьев служат вертикальными акцентами.
Данная картина может считаться классикой стиля импрессионизм. Пьер Огюст Ренуар — один из самых значительных и влиятельных художников французского импрессионизма. Для этого портрета мастеру позировала служанка его семьи Лиза. Работа пронизана реминисценциями из классической живописи, знатоком и ценителем которой был Ренуар. Например, свободная хлопковая белая блуза с приспущенным плечом напоминает одеяния на портретах эпохи романтизма.
Изображение очень телесно, мастер пластично лепит лицо героини и стремится создать ощущение непринужденного позирования модели. Однако, судя по ее взгляду, видно, что девушка утомлена от долгого сидения. Контрастом реализму и документальности служит очень условная передача зелени на заднем плане.
Художник использует гамму коричневого, зеленого и черного, которая говорит о влиянии на его творчество мастеров французского реализма. Он считается представителем классического импрессионизма. Мастер совершил несколько учебных, очень важных для становления своего художественного языка путешествий. В он посетил Алжир, который ассоциировался с кумиром многих французских живописцев Эженом Делакруа, Мадрид, где изучал полотна великого Диего Веласкеса, а также Италию, центром интереса Ренуара здесь стали шедевры Тициана и Рафаэля.
В он также провел некоторое время в Англии, где много рисовал местные пейзажи. После женитьбы в большая часть полотен мастера посвящена семейным темам, домашним интерьерам, портретам близких. В художественном отношении Ренуар выработал свой, стилистически многосоставный метод работы.
Он предпочитал сдержанную, неоклассическую палитру, которую совмещал с интересом к передаче световых эффектов краски. Под влиянием импрессионизма живописец стал работать непосредственно на пленэре. Однако он никогда не изменил своему предпочтению дисциплинированности пространственных отношений и строгой, даже жесткой цветовой гамме, поражающей световыми эффектами. Мастер отдавал предпочтение изображению людей. В он познакомился с банкиром и дипломатом Полем Бераром и его женой Маргаритой.
В их парижском и загородном домах Ренаур создал большое количество натюрмортов, пейзажей, семейных портретов. Это довольно крупное полотно изображает дочерей Берара Люси и Марту.
В течение нескольких лет мастер написал также и отдельные портреты девочек. Данная работа относится, скорее, к жанровой живописи, об этом говорит и ее название. Героини увлечены своими делами, и только одна смотрит на художника. Полотно создано в типичной для автора несколько классицизирующей манере.
Он интересно располагает цветовую палитру. Левая сторона картины голубая, а правая в основном выполнена в кирпично-охристой гамме. В распределении цветов и взгляде одной из дочерей на зрителя проявляется намеренная установка на «художественность» работы.
Мастер не стремится сделать полотно реалистически достоверным и декларирует это. Оноре Домье — яркий и плодовитый художник, скульптор и график Франции XIX века, работавший в стиле классического французского реализма. В это понятие входят независимость от академических тем, поиск новых сюжетов, а также, что не менее важно, адекватного темам живописного стиля, социальная критика общества.
Именно Оноре Домье, художник-реалист, считается одним из предтеч импрессионизма и даже экспрессионизма. После мастер, который был известен публике в основном как карикатурист, посвятил свои графические и живописные работы испанскому роману Мигеля де Сервантеса «Дон Кихот».
Произведение привлекло художника своей неоднозначностью: карикатурный рыцарь, попадающий в разные нелепые ситуации, и одновременно — герой, полный трагики, которого сравнивают с Гамлетом. Живописцу импонировала и другая черта персонажа: Дон Кихот жил в мечте, фантазиях, не отличая их от реальности, он преувеличенно, гротескно героичен. Санчо Панса, наоборот, карикатурно прозаичен.
Эти характеры давали Домье возможность создать интересные по сюжетным и художественным характеристикам работы. Картина привлекает своей композицией и сдержанной цветовой гаммой. Живописец выбирал земельные оттенки, он пользуется только коричневым и охристым. Очень свободную манеру письма, пластичные силуэты Домье усилил черным контуром, что создает впечатление условности.
Композиция полотна также свидетельствует об отвлеченности происходящего. Герои путешествуют в каком-то замкнутом пространстве, где нет ни солнца, ни неба, ни зелени. Перед зрителем в очень суженном пространстве только холмы и крупные фигуры героев. Решительный Дон Кихот направляется вперед, положение его спины выражает энергичность, позади него — инертный, придерживающий лошадь на спуске Санчо Панса.
Стилистически он принадлежит к кругу Вильгельма Лейбля, чьи работы также представлены в музее. Существенную роль в его становлении сыграло творчество Эдуарда Мане.
В данной работе хорошо виден синтез реализма с импрессионизмом, который выражается в богатой фактурности холста, манере нанесения красок, во внимательном отношении к проблеме освещения. Сочетание красного, черного, коричневого и белого цветов напоминает о живописи старых мастеров, а декоративно трактованные орнаменты тканей — о влиянии импрессионизма. В пользу тщательного изучения искусства позднего Средневековья Северной Европы говорит акцент не только на лице героини, но и на ее руках.
Такой будничный, казалось бы, жест доведен до вневременного, монументального звучания при общей домашней теплоте запечатленной атмосферы. Он предпочитал мрачные сюжеты, наполненные мистическим смыслом, мифологическими персонажами и аллегориями смерти.
Автопортрет с мертвецом — одна из самых известных его работ. Череп как символ известен еще со Средневековья, он напоминал о быстротечности человеческой жизни «memento mori». По рассказам, Бёклин нарисовал фигуру смерти, играющей на скрипке, после того, как кто-то из друзей спросил художника, к чему тот прислушивается во время сеанса. Это полотно стало очень популярным, многие мастера, такие, например, как Ганс Тома и Ловис Коринт, создали аналогичные автопортреты с фигурой смерти.
Трудно переоценить влияние, которое оказал этот образ на европейскую художественную культуру того времени. Представленная версия произведения — третья из пяти известных.
Она была заказана живописцу арт-дилером Фрицом Гурлитом. Интересно, что именно он дал название работе Бёклина, которое так и закрепилось за ней. В каждой из версий автор сгустил или подчеркнул разные аспекты образа таинственного острова мертвых.
Все в картине символично и имеет значение. С древних времен дерево кипариса означало печаль, греки и римляне клали кипарисовые ветви в могилы. Управляющий лодкой гребец напоминает Харона, древнегреческого бога, перевозчика душ через реку Стикс. Фигура мертвой женщины облачена в белую материю, саван — традиционный похоронный наряд.
Рядом с ней — гроб, в котором ее похоронят. На острове — скальные гробницы, так хоронили в древности, в том числе по христианскому обычаю. Произведение стало настоящим культурным событием того времени. Его образность повлияла на становления принципов сюрреализма Сальвадор Дали , репродукции работы можно было встретить в домах по всей Европе, а композитор Сергей Рахманинов в под впечатлением от нее написал одноименную симфонию.
Колористически картина создана строго по канонам немецкого романтизма, знатоки искусства сразу вспомнят представленное в том числе и в берлинском музее творчество Каспара Давида Фридриха. Работа написана под впечатлением от посещения итальянского города Искья, где художник побывал осенью Немецкий художник Ганс Тома сформировался под влиянием идиллического пейзажного искусства начала XIX века. Существенную роль в формировании его творческого кредо сыграла любовь к средневековым живописцам Германии, таким как Альдорфер и Кранах Старший.
До именно пейзажи были главной темой творчества Тома, позже к ним прибавились работы на религиозные темы, аллегории и портреты. В наследии мастера видное место занимают пейзажи из Шварцвальда, одной из самых живописных областей Германии.
Стилистически они не эволюционировали. Точное описание природы Тома виртуозно совмещал с поиском наилучшего выражения лирического впечатления от мира в целом. В его полотнах сквозит опоэтизированный пантеизм, внутреннее стремление к единению с природой. Мастер отдавал предпочтение теплой палитре, отчего в его работах создается душевная, почти сказочная атмосфера. Для данного полотна художник использовал очень насыщенные цвета, написав нереалистично густой цвет неба.
Этот оттенок придает всей картине нарочито выдуманный вид. Особое внимание следует уделить компоновке. Живописец крупно рисует два холма, занимающие большую часть холста, сверху — синее без проблесков небо, в центре вертикальная доминанта. Эти простые элементы, гармонично сложенные между собой, придают полотну еще больший уют. Герои утопают в зелени, в лугу, они одеты в средневековые костюмы. Весь пейзаж, таким образом, становится идиллической картиной золотого века, райского места, затерянного среди холмов.
Интерес к миру прошлого роднит художника с коллегами — английскими прерафаэлитами. Макс Либерман по праву считается лидером немецкого импрессионизма. Первоначально он изучал право и философию в Берлине, позже решил стать художником и прошел курсы обучения в Веймаре, Париже, а также в Нидерландах.
Там он много копировал работы великого Франса Халса. Во время Франко-прусской войны в — Либерман совершил путешествие в Италию, где был поражен искусством Караваджо и Бернини.
Представленную работу он создал еще во время обучения в Веймаре. Она стала первым произведением, которое летний Либерман показал на выставке. Картину раскритиковали за поверхностность сюжета и слишком темный колорит. Тем не менее ее прямо из экспозиции купил для собственной коллекции железнодорожный магнат. Вырученные деньги позволили художнику совершить путешествие в Париж, где он познакомился с искусством Милле и Курбе.
Данная картина очевидно отсылает зрителя к классической голландской живописи, а также традициям французского реализма.
Персонажи расположены в разных сложных позах, рисовать которые традиционно учили в европейских академиях. Фактически это учебная штудия, возведенная в ранг произведения искусства благодаря сдержанной, благородной палитре, тонкому психологизму в портретах и гармоничной сбалансированности композиции. В итоге художнику удалось создать очень одухотворенное жанровое полотно. В нем еще ничего не говорит об импрессионистических наклонностях Либермана, благодаря которым он прославится.
Макс Либерман провел лето в Нидерландах. Особое внимание Либерман уделял поздним работам мастера, таким как «Регенты приюта для престарелых» , музей Ф. Халса, Харлем. После возвращения в Амстердам ему удалось мельком взглянуть на внутренний двор городской богадельни для сирот. Живописца привлекло то, что классические сочетания черного, коричнево-красного и белого цветов на картинах голландцев, которые он недавно воспроизводил, существуют в действительности.
На этой картине платья девочек-сирот сочетаются с кирпичной кладкой зданий и тусклой городской зеленью. Художник использовал ограниченную гамму оттенков оливкового, темно-красного, черного и белого.
Все — от колорита до нарядов и поз маленьких сирот — напоминало старые голландские работы. Представленный холст — подготовительный этюд для будущего произведения, быстрый эскиз-впечатление. Интересно, что одну из первых зарисовок этого двора мастер сделал на обороте одной из своих копий Халса.
Позже, уже в студии, Либерман по мотивам эскизов создал большое произведение. Но представленная работа, изначально приобретенная директором берлинского музея в свою частную коллекцию, привлекает внимание свежестью впечатления, верно подмеченным движением и позами воспитанниц, которых художник застал за их повседневными делами — чтением и прогулкой.
Живописец не раз рисовал группы простых людей, занятых своим повседневным трудом. В то время для него, а также многих других ищущих свой путь художников именно великое искусство Голландии было центром творческого внимания. Мастер пристально изучал богатое наследие Рембрандта и Франса Халса. Другим не менее важным компонентом его живописной манеры стали непосредственная работа с натурой на пленэре, а также любовь к светоносным пятнам.
Это полотно было вызывающим для своего времени. Художник написал фигуры крестьянок с чуть повышенной точки зрения, отчего они приобрели монументальные масштабы, заняв все пространство сарая до потолка. Героини стоят в таком ритме, который напоминает работающий механизм, их действия однообразны. Женщины, выражаясь современным языком, — словно роботы.
При этом живописец реалистически изображает лица работниц, видно, что они погружены в свое занятие, их мысли, жизнь — все сосредоточено на движении. В труде крестьянок нет разнообразия, никаких живых, спонтанных действий. Они прядут лен, дети, сидящие слева, наматывают нити на веретена. Вся сцена пронизана монотонностью, учитывая тусклое серо-серебряное освещение сарая, она производит безрадостное впечатление. Либерман использует очень ограниченную земельную цветовую гамму. Влияние голландской традиции видно, во-первых, в сочетании коричневых и сизо-синих тонов, а во-вторых, — в равномерном холодноватом освещении.
Ансельм Фейербах был одним из самых влиятельных немецких художников эпохи неоклассицизма. Он учился в Дюссельдорфе и Мюнхене, продолжил образование в Антверпене и Париже. Именно там он испытал сильное влияние художника-романтика Эжена Делакруа, Густава Курбе и других французских реалистов. Их искусство, щедрая барочная трактовка тел, тонкий расчет композиции, сдержанная благородная гамма цветов сформировали его авторскую манеру.
Живописец стал главным представителем неоклассицизма в Германии. Это монументальное полотно прекрасно свидетельствует о заслуженном успехе мастера. Художник изобразил сцену из знаменитого диалога «Пир» древнегреческого философа Платона. Друзья поэта Агафона собрались в его доме, чтобы отметить признание товарища лучшим трагиком Греции. Пока они развлекаются, пьют вино и обсуждают Эроса, самого могущественного и прекрасного бога на Олимпе, появляется пьяный Алкивиад в сопровождении таких же возбужденных вином друзей, он желает короновать лучшего поэта.
Этот момент встречи двух друзей — лишь формальный повод для живописца. Фигура Агафона связывает сцену вакхического веселья слева со сценой философских диалогов справа. Персонаж не только талантливый поэт, но и прекрасный юноша, он соединяет в себе все положительные качества. Агафон — идеал для Фейербаха и деятелей немецкой культуры того времени, которые стремились подражать древнегреческим героям.
О программном значении произведения говорит то, что художник писал его более двадцати лет. Первая версия картины — хранится в Кунстхалле Карлсруэ. Вторая, данная, гораздо богаче по деталям, искусно выписанному роскошному интерьеру, у нее барочная цветовая гамма с большим количеством золотого и парчового. Ганс фон Маре — один из самых известных и влиятельных живописцев Германии последней четверти XIX века. Он учился в берлинской Академии художеств, позже совершил образовательное путешествие по Франции, Нидерландам и Испании.
Фон Маре находился под большим влиянием великого французского мастера Эжена Делакруа, что проявилось, в первую очередь, в энергичной манере накладывания красок, выработке монументального стиля.
В картинах немецкого живописца большую роль играет энергия движения, как физического, так и духовного. В основном Маре предпочитал рисовать сцены из деревенской жизни, выполняя их реалистично. Главной и самой крупной работой художника стал цикл фресок для Зоологической станции в Неаполе. Данный холст является эскизом к одной из них.
Маре творил вместе со своим другом и единомышленником скульптором Адольфом Гильдебрандом. Вместо того чтобы написать фрески с традиционными аллегорическими и мифологическими сюжетами, он создал произведения на темы повседневной жизни людей этих мест. Изображения рыбаков, отправляющихся на остров Искья, людей в апельсиновой роще, портреты друзей основателя станции дарвиниста Антона Дорна на фоне таверны и другие простые и монументальные сцены.
Авторский стиль Маре прекрасно виден в этом полотне. Он возводит простую сцену до уровня идеала, до величественного символа жизни людей. Горизонт в картине очень низок, доминируют крепкие фигуры рыбаков.
Их лица напоминают древние христианские портреты, словно тип людей этих мест не изменился за тысячу лет. Живописец создал тринадцать больших эскизов для станции, их Гильдебранд, пропагандист его творчества, передал на хранение в берлинскую Национальную галерею. Ганс фон Маре славился своими картинами с большим количеством реминисценций из классического европейского искусства.
На этом полотне живописец выражением глаз очень напоминает Дюрера на знаменитом автопортрете в образе Христа, который художник видел в Старой пинакотеке Мюнхена, он смотрит очень внимательно и серьезно. Тридцатисемилетний мастер изобразил себя в строгом костюме. Одежда свидетельствует о том, что он, скорее, состоятельный буржуа, чем богемный художник.
Автор хотел показать, что живописец бежит от легкомысленности и оберегает вечные законы искусства, как богач собственный капитал. Маре жил вместе со своим другом, скульптором Адольфом Гильдебрандом в здании бывшего монастыря Святого Франциска в Неаполе, который он и изобразил на заднем плане. Вильгельм Лейбль — один из представителей реалистического направления живописи Германии последней четверти XIX века. В несколько месяцев он прожил в Париже, общался с импрессионистом Эдуардом Мане.
Лейбль рисовал без подготовительных эскизов, свободно нанося краску на холст. Мастер провел в Дахау период с по Этот очень простой и человечный портрет женщины с ребенком интересен богатством фактуры и тонкой колористической нюансировкой.
Он привлекает своей особой одухотворенностью, чему, по мнению специалистов, способствует влияние, оказанное на художника старой немецкой живописью, его персонажи на средневековый манер исполнены чувства собственного достоинства. Выразительность парного портрета достигается контрастным сочетанием голубого и черного цветов, которые делят холст пополам. Луис Эйзен — немецкий живописец, работавший в последнюю четверть XIX века. В своем творчестве он опирался на художественные принципы таких мастеров, как Вильгельм Лейбль, Густав Курбе и Эдгар Дега.
Их влияние сказалось на реалистической манере письма, композиционно смещенном ракурсе, интересе к созданию интерьера, который выражал бы характер модели. Художник предпочитал работать в небольшом формате, в основном он создавал пейзажи и портреты. На этой картине изображена мать живописца, она сидит у самого края картины, фигура обрезана и как будто преграждает дорогу в комнату. Мастер использует классические для домашнего интерьера цвета в духе голландцев и Курбе — коричневые с сизым отсветом.
Это сочетание земельных оттенков и синего придает изображенной сцене атмосферу меланхоличной отстраненности. Область его творчества очень широка, он прославился как художник, скульптор и график. На протяжении всей своей жизни мастер искал новые образы, темы, адекватную манеру исполнения, очень много экспериментировал. Стилистически творчество Клингера представляет одну из вершин европейского символизма. В своих произведениях он сочетал фантазийность с реалистической манерой письма. Можно сказать, что живописец объединил творческие импульсы, идущие от искусства Франсиско Гойи и Адольфа Менцеля.
Перед зрителем — странная, необычная сцена: стена, ограничивающая все пространство так, что видно только небо. Возникает ощущение, что герои будто находятся в пустоте, вне контекста. Художник создает сложный по движениям и мизансцене визуальный ряд, который предполагает множество трактовок.
Справа тоже написан деревянный забор, но не видно, где он начинается, что ограничивает и куда ведет. Сцена абсолютно замкнута, при этом благодаря небу создается впечатление огромного пространства. Этим передается безнадежность ситуации, одиночество застигнутого врасплох человека. Название работы — «Прохожие» — тоже играет на неопределенности сюжета. Неясно, чем обернется случай, мастер не дает никаких решений, а просто фиксирует момент прогулки героя.
Человека окружает банда грабителей. Ни у кого из персонажей не изображено ни эмоций, ни активной жестикуляции, все происходит замедленно. Клингер так находит расположение героев и выстраивает мизансцену, что между ними возникает напряжение.
Однако в то же время каждая группа как бы стоит по отдельности, что еще больше усиливает неопределенность, неизвестно, что произойдет в следующий момент, кто будет нападать, у кого есть преимущество. Формально картина принадлежит к жанровой живописи, автор изображает будни социальных низов, злачных мест растущего индустриального города. Однако эта сцена наполнена не критикой, а психологизмом, который возводится до символа времени без потери документальной и эмоциональной достоверности происходящего.
Немецкий художник показал высокое мастерство создания напряженного сюжета простыми средствами. Некоторые его работы вызывали шквал критики и стали центром скандалов среди публики, но в то же время художник был в числе самых авторитетных и влиятельных мастеров.
Его сюжеты одновременно реалистичны и символически многозначны, он мастер говорить со зрителем намеками. Художник предпочитал композиции из двух фигур, потому что они открывали возможность изображать психологически достоверные ситуации, диалоги, создавать интригующие и сложные по мотивам сцены. Полотно представляет собой двойной портрет Жюля Гийме и его жены. Они запечатлены в оранжерее шведского художника Иоганна Георга Отто Розена. Это одна из самых примечательных картин Мане.
Мастер добился виртуозности в уверенных, точных мазках, ясной фактуре работы, гармоничном сочетании цветов, рассчитанном контрасте и, самое главное, убедительных позах и выражениях персонажей. Все внимание зрителя сконцентрировано на невидимом диалоге пары, зритель буквально ощущает напряжение между героями.
При этом складывается впечатление, что каждый из них одинок, сам по себе. Одной из особенностей творческого языка художника стал его способ создавать портреты. Возникает ощущение, что модели наедине с собой, будто рядом нет наблюдателя, который смотрит на них и тем более их рисует. Картины Мане всегда создают впечатление, что он подглядывает за персонажами.
При этом герои живописца всегда отличаются особой статью, благородством облика, они никогда не вульгарны, любые случайные жесты наполнены изяществом и монументальным звучанием.
Еще одной уникальной способностью художника является манера преподнести фон или элементы натюрморта. Он изучал старую голландскую живопись, где детали всегда обладают самостоятельным символическим значением, психологически они так же активны, как и изображенные люди. Предпоследнее лето жизни Эдуард Мане провел в доме своего друга, французского поэта Эжена Лабиша в Рюэле, и запечатлел фасад этой загородной виллы.
Данное полотно представляет типичную картину для импрессионистов — солнечный день, случайно выхваченный фрагмент. У Мане нет цели изобразить дом, сад или передать характер местности, он запечатлел фрагмент фасада, потому что именно его видят гости и хозяева дома, сидя в креслах в саду или прогуливаясь по дорожкам.
Это работа зрелого мастера, что проявляется в очень тонком, гармоничном сочетании цветов, непринужденном настроении картины. Художник пользуется впечатляющим контрастом красного и зеленого, а также сдерживающими его акцентами желтого и голубого. Примечательно дерево, которое мешает разглядеть фасад, перерезая картину почти посередине. Это сделано намеренно, чтобы создать в полотне движение. Зритель активизирует свое воображение, мысленно «проходит» мимо дерева к дому, воссоздает целостность фасада в своей фантазии.
Все объекты в пейзаже исполнены особого поэтического чувства, возникают мысли, что у дома и каждой клумбы есть своя история, очевидно, что за садом ухаживают. По-домашнему милы открытые окна, приютившаяся в зелени садовая скамейка. Этот простой мотив почти эскизного характера был чем-то очень дорог мастеру.
Он создал еще одну версию картины с таким же положением дерева , она хранится в Мельбурне, в Национальной галерее Виктории. Мастер работал в стиле постимпрессионизм. Это условное обозначение для творчества целой группы авторов, чья манера синтезировала разные стили и техники, которыми была богата художественная практика конца XIX века.
От импрессионистов живописцы унаследовали очень свободную манеру наносить краски и «видеть» пространство. К этому добавились авторская интерпретация сюжета, символизм, аллегоричность, условность цветовых сочетаний.
В итоге одной из черт постимпрессионизма как направления стал абстрактный характер времени и места действия. Поль Сезанн, как и многие художники того времени, самостоятельно искал творческие пути, копировал картины старых мастеров, чтобы добиться твердости руки, крепости композиции, четкости цветовых сочетаний. Особенно много он работал в Лувре над картинами Микеланджело, Рубенса и Тициана. В то время, когда музей приобрел в коллекцию данную картину, искусство Сезанна все еще было спорным явлением на художественной сцене.
Большую часть жизни Сезанн провел в своем родном Экс-ан-Провансе и в Париже. Несколько раз он посещал друга Камиля Писсарро, который жил к северо-западу от французской столицы в местечке Понтуаз. Там они работали вместе, следуя основным заповедям импрессионистического письма. На представленном пейзаже свет ложится ровно, не оставляет теней.
Это полотно — отличный пример живописной техники Сезанна. Он очень крепко строит предметы, словно складывает из мазков объемы, однако делает это, кажется, без малейшего усилия, сохраняя общий ясный образ изображенного.
В топографическом отношении работа — очень точный пейзаж местности. В период х Сезанн работал в основном в жанре натюрморта. За это время он создал более произведений, изображающих фрукты, вазы, драпировки. Предметы постоянно повторялись, мастер лишь варьировал их расположение и цветовые соотношения.
Экспериментируя с композицией, он хотел добиться новой выразительности и авторского видения пространственных задач в живописи. Известно, что именно пространственные эксперименты Сезанна сделали его уже после смерти лидером и ярчайшим авторитетом среди молодых художников-авангардистов. Такие мастера, как Пикассо и Брак, считали, что кубизмом они довершили дело, начатое Сезанном. Деревянный стол, драпировка, фрукты, вазы — вот классический и узнаваемый набор в натюрмортах живописца.
В это произведение он добавил пышный букет полевых цветов. Художник в классической, несколько даже архаизированной по цветовой гамме манере изображает маргаритки, гвоздики и маки. Букет звучит здесь как цитата, как отсылка к натюрмортам прошлых эпох, образ создает дополнительный смысловой строй, делая картину еще более условной.
Типично для творчества Сезанна то, что все предметы в натюрморте носят именно условный характер, они представляют не свои естественные функции, а служат лишь эстетически приятными художественными объектами. Это одна из немногих работ Сезанна того периода, в которой мастер так отчетливо декоративен. Пространство картины, как свойственно живописцу, очень просто, компактно, его легко охватить одним взглядом. Пышность летних цветов на правой стороне полотна уравновешивается темным фоном и холодным отсветом драпировки.
Несмотря на простоту построения, все предметы обладают фактурными и объемными характеристиками, которые гармонично складываются в единое, но вместе с тем сложносоставленное целое. Цветовая палитра очень богата и разнообразна, оттенки зеленого, желтого, лилового, красного, белого и голубого плавно переходят один в другой, словно музыкальные аккорды.
Австрийский художник Карл Шух большую часть жизни провел в путешествиях по Германии, Италии и Франции. В период с по он находился в Париже, где впервые познакомился с творчеством Клода Моне. С тех пор художник стал работать в манере, которая синтетически сплавляла достижения импрессионизма с авторским стилем Рембрандта. Неоклассический темный, благородный колорит произведения и традиционный для натюрморта сюжет наглядно говорят о творческих ориентирах мастера.
Художник с вниманием выписал фактуру предметов. Он разработал целую систему соответствия интенсивности цвета и силы нанесения краски, своеобразную тектонику цветовых полей. Теоретические и творческие находки мастера были признаны и оценены по достоинству только после его смерти.
Немецкий романтик Карл Шпицвег считается главным представителем направления бидермейер. Он самостоятельно учился живописи, пристально изучал фламандское искусство. У Шпицвега быстро проявился талант жанриста, его работы были одновременно очень теплы по настроению, технически превосходны и снисходительно ироничны. Все три качества по праву принесли художнику большую прижизненную славу и популярность.
![Старая национальная галерея в берлине](https://mus3ums.com/media/Museum/55.jpg)
Это поздняя работа Шпицвега. Она совсем небольшая, но очень оригинальная по формату: кусок холста двенадцати сантиментов в ширину. Такая лента как нельзя лучше подошла к сюжету: дети запускают воздушного змея. Интересно, что в маленькой работе живописец документально точно изображает окрестности Мюнхена, местные жители с легкостью узнали бы очертания города.
Большую половину холста занимает небо. Художник создает очень правдоподобное ощущение выси, в которую улетает змей. Немецкий художник Фриц фон Уде наибольшую известность получил благодаря религиозным и жанровым работам. В своем творчестве он органично соединил реализм и импрессионизм.
Выработанная манера давала живописцу свободу в выборе сюжетов с острым социальным или нравственным звучанием. Сценки, эпизоды из жизни бедных людей и детей исполнялись мастером в узнаваемой импрессионистической манере. Свежесть непосредственного впечатления от красок природы в своих картинах он дополнял полюбившимися принципами старой голландской живописи, изучал ее в Париже, а позже, в , пребывание в Нидерландах окончательно сформировало его авторский стиль.
Хотя фон Уде часто критиковали за невзрачность сюжетов, он стал одним из общепризнанных лидеров Мюнхенского, а затем Берлинского сецессиона. В то время считалось революционным такое свободное представление евангельских тем.
Мастер переносил библейские образы в современные ему реалии и декорации. Христос, по мнению критиков, изображен слишком индивидуализированно, портретно. Картина, отражающая быт бедняков, несмотря на высокие живописные идеалы мастера, оказалась слишком натуралистичной для публики того времени. События Святого Писания не были, по ее мнению, опоэтизированы намеками, аллюзиями и символами.
Художник создал сюжет, который не требовал какой-то дополнительной интерпретации, простой и наглядный. В дом небогатых людей пришел Христос, чтобы разделить с ними трапезу.
Пока женщина накрывает на стол, Он совершает молитву. Данная работа и по тематике, и по колориту типична для наследия немецкого мастера. Хотя публика того времени обращала больше внимания на содержание картины, современный зритель с полным правом может насладиться виртуозной живописной техникой фон Уде.
В истории искусства имя немецкого художника Кристиана Рольфса связано с течением экспрессионизм. В начальный период своего творчества он работал в реалистическом жанре, с привлечением наработок импрессионизма, отдавал предпочтение классической, скромной, почти аскетичной цветовой гамме. Живописец мастерски компонует полотно. Он работает крупными формами, каждую из которых выделяет доминирующим цветом.
Центральный фрагмент композиции — уходящая вдаль дорога, написанная теплыми оттенками белого. Почти математически выверенную середину холста занимает коричневый цвет земли и деревьев. И, наконец, верхняя часть картины отдана теплым оттенкам голубого.
![Старая национальная галерея в берлине](https://excursio.com/upload/excursions_photo/209030/87224_p_681x405_72e45fb2d11c2c7b1668f5966a619605.jpg)
Все тона приглушены. На данном холсте видно, что даже в трех основных цветах автор создает эффектные контрастные сочетания. Рольфе запечатлел дорогу на Гельмероду — это деревня недалеко от немецкого города Веймар. Она известна с XIX века, там работало большое количество живописцев. Но художник не изображает знаменитые виды местности, а выбирает своего рода «задворки».
Он создает пространственно достоверное впечатление — тракт извивается, проходит среди полей. Две фигуры, случайные прохожие, усиливают это ощущение. Позже мастер выработал более выразительную, смелую, экспрессионистскую манеру письма. Глядя на эту раннюю работу Рольфса, трудно поверить, что через три десятка лет его полотна будут подвергаться гонениям со стороны гитлеровских властей, а искусство живописца заклеймят «дегенеративным».
Он учился в Германии, в Берлине и Карлсруэ, позже некоторое время провел в Италии и Франции, в Париже завершил свое образование. В то время это был классический путь любого европейского художника. Вернер был покорен современной французской живописью. Темы творчества, авторская манера делают фон Вернера типичным придворным мастером своего времени.
Наиболее известные его картины относятся к историческому жанру, он написал много торжественных государственных сцен, панорам баталий. С до своей смерти художник служил при дворе Вильгельма II. В он стал директором берлинской Национальной галереи. Представленная работа относится к тому периоду творчества, когда Вернер находился в распоряжении военного командования по время Франко-прусской войны — Он служил главным живописцем, создавал цикл работ, отображающих и восхваляющих будни немецкой армии и ее успехи.
Почти гиперреалистические картины мастера с элементами пропагандистской идеализации стали символом казенного искусства.
Хотя с Вернер возглавлял берлинскую Академию художеств, почти все современники-новаторы в Германии и за границей скептически относились к его дару. Справедливости ради надо отметить, что неприязнь к живописцу была продиктована его высоким положением и слишком официозной тематикой произведений.
Тем не менее не вызывает сомнений его профессиональное мастерство, умение создать жанровую сцену, в которой общий идеализированный дух совмещался с буквальностью исторического документа в описании обстановки, портретов, деталей быта.
На этой картине изображены немецкие солдаты, которые собрались для музицирования в небольшом дворцовом помещении. Зрителю бросается в глаза некоторое несоответствие между роскошью отделки интерьера с наружностью и поведением военных. Для современников события это полотно свидетельствовало, скорее, о факте победы немцев, их статусе победителя.
Он принадлежал к «Объединению девяти», которое было основано в молодыми живописцами-новаторами и поддерживало контакты с еще одной современной группой — Берлинским сецессионом, своим творчеством противостоявшей официальному Салону. Произведения Лайстикова жестоко критиковались академическими профессорами, представленная работа даже была отвергнута для экспозиции очередного Салона в Коллеги-художники ценили искусство живописца.
Сохранилось множество полотен, где он раскрывает пейзажную тему городских окраин прусской столицы. Данное — одно из самых известных в его наследии. Работа очень ясна по композиции, проста и выразительна, привлекает атмосферой меланхолии, одиночества, тишины предместий Берлина. Мастер умело создает экспрессивный контраст теней в отражении озера и оранжево-желтого закатного неба. Вид на воду, который он выбрал, свидетельствует о глубоком понимании и любви к экзотическим и популярным в то время японским пейзажам.
Лайстиков познакомился с ними во время пребывания в Париже в Контраст цветов напоминает также о творчестве Мунка, которое знал и ценил живописец. В этом полотне ему удалось поднять простоту пейзажа до монументальной ясности чистых линий. В он присоединился к группе прогрессивных художников, известной под названием Берлинский сецессион. Всю жизнь живописец изучал голландское искусство. В зрелый период творчества он открыл для себя экспрессивную силу смелых цветовых сочетаний, что принесло славу его работам.